Es ist wohl fair zu sagen, dass die meisten von uns noch nie jemanden so hart mit einem nassen Fisch geschlagen haben, dass er voll bekleidet in einen Swimmingpool fällt. Bis vor kurzem traf das auch auf die isländische Jazz-Pop-Sensation Laufey zu. Dann veröffentlichte sie einen Song namens Mad Woman, in dessen Video sie Heated Rivalry-Schauspieler Hudson Williams mit einem Rotbarsch mitten ins Gesicht schlagen musste.

„Oh mein Gott, es war großartig. Es war kathartisch“, lacht sie bei der Erinnerung. „Ich hatte eine Menge unausgelassener Energie, die ich am armen Hudson ausgelassen habe.“ Der Dreh fand in Los Angeles statt, mit einer schicken 1960er-Ästhetik, einer Superstar-Besetzung (darunter Olympiamedaillengewinnerin Alyssa Liu und Katseye-Sängerin Megan Skiendiel) und einer Handlung über Laufey's irrationale Beziehung zu einem Mann, der nicht gut für sie ist. Zu ihrer Freude erforderte die Fischszene mehrere Takes, voller improvisierter Beleidigungen.

„Ich bin kein sehr wütender Mensch, aber es fühlte sich gut an, zu schreien und zu brüllen“, sagt sie. „Ich grub in meine tiefsten Erinnerungen, wann ich von Männern am meisten Unrecht erfahren habe, und ich entdeckte einen Teil von mir, von dem ich nicht wusste, dass er in mir steckt.“ Für jeden, der mit der Musik von Laufey (ausgesprochen lay-vay) Jónsdóttir vertraut ist, ist „urzeitlich“ das letzte Wort, das man mit ihr assoziieren würde. Seit 2022 hat sie die Charts mit schmachtenden Liebesliedern verzaubert, die klassischen Jazzgesang und üppige Orchestrierungen mit witzigen, geständnishaften Texten mischen. Es ist ein Stil, den sie sich während ihres Studiums am Berklee College of Music in Boston ausgedacht hat, aufbauend auf ihrer Kindheit in Reykjavík, wo sie ab dem vierten Lebensjahr Klavier und Cello lernte; und dem Wunsch, ihre Liebe zu Filmmusicals und Taylor Swift zu verbinden.

Als sie ihren ersten Song, Street by Street – über die Rückeroberung ihrer Lieblingsgärten und Buchhandlungen nach einer Trennung – hochlud, war sie ratlos, als das Formular sie aufforderte, ihn unter einem einzigen Genre zu listen. Schließlich wählte sie „Singer-Songwriter“. Aber die Frage, wo Laufey im Pantheon der Popmusik steht, hat Kritiker seitdem verwirrt. Fragt man sie, sagt sie, dass es nicht wirklich wichtig sei. „Ältere Zuhörer versuchen immer, mich zu durchschauen“, sagt sie. „So wie: ‚Ist sie eine Jazzmusikerin? Ist sie eine Popmusikerin? Ist sie eine Cellistin?‘ Und ich stelle bei meinem jüngeren Publikum fest, dass sie keine vorgefasste Meinung darüber haben, was sie mögen sollen. Sie hören, was ihr Herz hören will. Ich fühle mich so glücklich, heutzutage Musikerin zu sein, weil Genre noch nie so wenig bedeutet hat. Es hat mir den Weg geebnet, einfach all diese verschiedenen Versionen von mir selbst sein zu können.“

Ihr neuestes Album, A Matter of Time – veröffentlicht im letzten August – bot die erste Gelegenheit, all ihre Farben zu zeigen. Thematisch um die Geschichte einer Beziehung angelegt, ist es durchdrungen vom Klang einer tickenden Uhr, die herunterzählt bis zu dem Moment, in dem die Ängste und Unsicherheiten der 27-Jährigen die ganze Sache zerstören. Auf dem Weg dorthin wagt sie sich an neue Klänge – von der soulgetränkten Lead-Single Silver Lining bis zu den lebhaften brasilianischen Rhythmen von Lover Girl. Und es endet mit Sabotage, wo dissonante Klaviere und Schrecksekunden-Streicher ihre Selbstzerstörung untermalen. Bezeichnenderweise war Sabotage der erste Song, den sie für das Album schrieb, bevor sie rückwärts zu den romantischeren Momenten arbeitete.

„Das ganze Album war eine Herausforderung an mich selbst, über meine künstlerischen Mauern hinauszugehen, ein bisschen Angst zu haben“, erklärt sie. „Also bedeutete diese Lärmwand für mich, aus einer traditionellen Form auszubrechen, sowohl als Mensch als auch musikalisch.“ Zum ersten Mal ließ sie zu, dass Emotion Technik überlagert. A Matter of Time enthält unvollkommene Töne und stimmliche Brüche (im Rahmen des Zumutbaren, es ist nicht Lou Reeds Metal Machine Music oder so), während die Musikerin ihre verletzliche Seite zeigt. Alles wurde inspiriert von ihrer ersten Erfahrung, sich zu verlieben – einer Erfahrung, die gleichzeitig aufregend und beunruhigend war. Bei Lover Girl schimpft sie praktisch mit sich selbst, so leichtsinnig zu sein. Carousel findet sie, wie sie einem neuen Liebhaber zögerlich Fehler offenbart. A Cautionary Tale ist voller Klarheit nach der Trennung: „Ich gab zu viel, ich gab mich auf / Ich“